Mostra

Rimandi LED all’arte iconica

Con “Ad Lucem” Edoardo Faglia, bresciano, classe 2001 e studente magistrale di Storia della conservazione dei beni artistici presso Ca Foscari, porta in scena un progetto che nasce dal desiderio di conciliare lo studio appassionato delle immagini con la necessità di reinterpretarle, di farle rivivere in modo differente, seguendo paradigmi legati al nostro tempo.
Attraverso l’uso del LED e di sostegni di riuso, l’artista ci dona “un’epifania luminosa”, una traccia precisa, mai didascalica, di opere d’arte che han segnato la storia. Le linee di luce disegnano citazioni, richiami, “rimandi” appunto, a immagini che tutti abbiamo interiorizzato ma che raramente abbiamo visto in questa forma: sintetica, diretta, attraversata da una sensibilità nuova.

Il progetto “Ad Lucem” si colloca così in una linea di ricerca che è insieme personale e generazionale. Non è un semplice esercizio di stile, né una decorazione tecnologica: è una dichiarazione d’intenti. Fare arte oggi, significa prendere posizione all’interno di un dialogo continuo con la tradizione, rielaborando, rifiutando o accettando l’imitazione.

Lo scopo della mostra è, quindi, riportare lo spettatore a un rapporto visivo e silenzioso con le immagini, senza la presenza di medium che si interpongono fra uomo e arte.
La sede scelta per questa esposizione, MO.CA, centro di Brescia per le nuove culture, diventa il contenitore ideale per un progetto che vuole essere anche uno spazio di riflessione. Non si tratta solo di “vedere” le opere, ma di “farsi abbracciare” dalla loro luce, interrogarne i confini, cercarne il senso nella relazione con il nostro presente.

In un tempo in cui l’arte rischia spesso di smarrirsi nell’eccesso, nel rumore o nel mercato, “Ad Lucem” propone un’alternativa silenziosa, ma radicale: quella di un’arte che nasce da un’intimità profonda con la storia, e che risponde alla contemporaneità con il linguaggio diretto e accessibile della luce.

Una grande mostra, dedicata a come gli artisti contemporanei utilizzano e trasformano i materiali nella loro opera, è allestita nelle sale del primo piano di MO.CA.

Scaturita da un’idea di Matteo Lorenzelli e curata da Ilaria Bignotti e Camilla Remondina, la rassegna propone oltre venti artisti di fama internazionale, sia mid-career che appartenenti alle generazioni attuali, dal Giappone all’Africa, dalla Cina alla Gran Bretagna, le cui opere sono finalizzate a far luce sulle declinazioni di materiali tradizionali e inusuali nel processo creativo, dal rame alle fibre tessili, dal pigmento puro alla plastica di riuso: utilizzata in modo innovativo, coerente, reiterato e in alcuni casi anche ossessivo, è la materia protagonista di questa mostra di respiro internazionale che apre mercoledì alla presenza della Sindaca del Comune di Brescia, Laura Castelletti, di Matteo Lorenzelli e delle curatrici, e di molti degli artisti invitati.

Il percorso propone anche alcune opere di artisti della prima metà del XX secolo, ritenuti “pionieri” delle ricerche sui materiali della contemporaneità, nell’ottica di offrire al pubblico una mostra di grande levatura e carica di spunti di riflessione.

Mostra conclusiva del progetto Embodying migration per minori stranieri non accompagnati.

L’evento rappresenta la conclusione di un percorso laboratoriale che ha coinvolto ventotto minori stranieri non accompagnati, che vivono in comunità sul territorio di competenza del Tribunale per i Minorenni di Brescia.

Il filo conduttore del progetto è stato il corpo umano, quale espressione del proprio vissuto e della propria storia personale. Ogni incontro si è concentrato su una parte del corpo (occhi, bocca, orecchie, mani, piedi, testa, cuore, anima e corpo) e, tramite laboratori e attività pratiche, ha consentito ai ragazzi di narrare, secondo le proprie sensibilità e volontà, il loro percorso migratorio – estremamente traumatico e disumano –, la famiglia che hanno lasciato e i propri sogni.

Il progetto è stato ideato e realizzato dalla Procura per i Minorenni di Brescia in collaborazione con i Servizi Sociali di Brescia, Bergamo e Cremona, la Comunità l’Alternativa (BS), la Comunità Nada (BG), il Progetto SAI di Cremona (Coop. Nazareth e Coop. Santegidio), la Coop. Alce Nero (MN), la Comunità Arci Porto Sicuro (CR) e la Fondazione Brescia Musei, con il prezioso sostegno del CFP Canossa di Brescia.

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Venerdì 6 giugno 2025

dalle ore 15:00 alle ore 16:00
Sala Danze – MOCA
ingresso con invito

PRESENTAZIONE
• Introduzione – Giuliana Tondina
Procuratore della Repubblica presso il Tribunale per i Minorenni di Brescia
• L’organizzazione del progetto – Simone Nani
Tirocinante ex art. 73 presso la Procura per i Minorenni di Brescia
• Gli aspetti sociali – Lara Raffaini
Funzionaria di Politiche Sociali, Comune di Cremona
• Gli aspetti educativi – Cristina Chioda
Pedagogista, Coop. Sana per il Comune di Bergamo
• I ragazzi – Francesca Salmistraro – Miriam Ninno
Educatrici, Coop. Alce Nero, Mantova
– Debora Castiglione
Coordinatrice Comunità L’alternativa, Brescia
• L’esperienza dei tutori – Valeria Margaroli
Tutrìce Cremona
• I significati delle storie – Maria Chiara Rizzi
Psicologa, Servizi per l’accoglienza Cremona

Visione dei primi due episodi della serie Embodying Migration

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INAUGURAZIONE MOSTRA

I visitatori avranno la possibilità di immergersi nello spazio espositivo.
Un’esposizione potente che invita a guardare – ed ascoltare – da vicino.
Dal soffitto pendono frammenti: occhi, mani, piedi.
Parti di corpi che raccontano più di quanto le parole possano dire.
In sottofondo, i racconti veri di chi ha attraversato deserti, frontiere, mari e silenzi. Ogni parte del corpo diventa una memoria: gli occhi che hanno visto la guerra, i piedi che hanno camminato troppo.
Questa non è solo una mostra, è un incontro.
Con le vite e la forza di chi troppo presto ha dovuto diventare grande.

Nel mondo contemporaneo, la fotografia non è più soltanto un mezzo per catturare la realtà, ma si è evoluta in un linguaggio ibrido che unisce autenticità e arte digitale. Questa selezione di immagini abbraccia il potere dell’intelligenza artificiale, esplorando le immense possibilità creative che essa offre, sfidando al contempo le nostre percezioni di verità e realtà.
Parte delle fotografie esposte sono catturate fedelmente dalla realtà, altre sono modificate dall’AI, spingendo i confini di ciò che consideriamo “vero” e “reale”. In questo contesto si aprono domande profonde: cosa definiamo come realtà? È l’immagine che vediamo attraverso l’obiettivo della macchina fotografica o quella che un algoritmo rielabora e trasforma? La vera bellezza risiede nell’interpretazione, nell’emozione che un’immagine evoca, indipendentemente dalla sua origine.

Queste “INVASIONI SURREALI” sono un invito a osservare con più attenzione ciò che ci circonda e a riscoprire il piacere di soffermarsi sui dettagli. L’obiettivo non è solo sorprendere, ma anche stimolare una riflessione sulla nostra percezione delle immagini e sul modo in cui la realtà può essere distorta o arricchita dalla fantasia.

La mostra, intitolata “Invasioni Surreali e Riflessi di Verità”, nasce dal desiderio di stimolare una riflessione sulla nostra capacità di osservare. Ogni fotografia ritrae una scena urbana notturna apparentemente ordinaria, ma nasconde un elemento surreale, volutamente fuori posto: una giraffa che attraversa una strada, un gorilla seduto su una terrazza, una luna piena che non c’ è o delle stelle che avrebbero voluto esserci. Questi elementi non sono solo un invito a osservare con maggiore attenzione ciò che ci circonda, ma anche a riscoprire il valore dell’imperfezione e dell’imprevisto.

La mostra HEART OF THE RACE: Master Mechanics of the Mille Miglia, che raccoglie questo corpus fotografico unico e le storie che lo accompagnano, è stata prorogata ed è ora visitabile nella Sala Talk di MO.CA in date selezionate tra luglio e agosto.

Prossime aperture:

→ 17, 24, 31 luglio / h 18:00 – 20:30

→ 19 luglio e 3 agosto / h 15:00 – 18:00

Gli altri giorni solo su appuntamento, scrivendo a valerialopez003@gmail.com o chiamando il +39 351 4459904.

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All’inizio di maggio 2024, in preparazione della storica gara di giugno, E.A. KAHANE ha avviato un progetto fotografico presso il Museo Mille Miglia di Brescia, realizzando una serie di ritratti formali dei meccanici locali impegnati nella preparazione delle vetture da corsa, in collaborazione con diverse officine del territorio.

Successivamente, Kahane ha visitato le stesse officine per documentare i meccanici al lavoro, immortalando l’intensità e la dedizione che precedono la competizione.

Nel mese di giugno, in occasione della 1000 MIGLIA, Kahane ha avuto l’opportunità di allestire un set fotografico nel Paddock, area riservata alle registrazioni delle auto e ai preparativi pre-gara. Questo accesso esclusivo le ha consentito di estendere il progetto ai meccanici internazionali giunti per l’evento, ampliando così la portata della documentazione.

Durante i cinque giorni di gara, Kahane e il suo team hanno seguito l’intero percorso, cogliendo i momenti in cui meccanici locali e stranieri intervenivano sulle auto durante il rally. Parallelamente, il team ha predisposto set improvvisati lungo il tracciato per realizzare ritratti formali estemporanei dei meccanici nel vivo dell’azione, catturandone l’autenticità e l’energia. Ogni sera, inoltre, Kahane ha proseguito il lavoro documentando le riparazioni e le attività notturne sulle auto d’epoca, in un’atmosfera carica di intensità e passione.

In totale, sono stati realizzati 81 ritratti in bianco e nero con macchina fotografica di medio formato, di cui 28 dedicati ai meccanici di Brescia. Ogni soggetto ha firmato una liberatoria per l’utilizzo della propria immagine. A completamento del progetto, Kahane ha condotto interviste personali ai meccanici, raccogliendo testimonianze e aneddoti legati alle loro esperienze e ai momenti più significativi vissuti durante la 1000 MIGLIA.

Millennials è una iniziativa nata quattro anni fa per dare nuova linfa e nuova struttura all’attenzione che storicamente AAB ha avuto nei confronti degli artisti delle nuove generazioni.
“Giovani presenze” si chiamava in passato questo appuntamento, entrato nella vita e nella tradizione di AAB e che è stato trampolino di lancio per tanti brillanti percorsi artistici.

L’incontro con Ilaria Bignotti e Camilla Remondina che professionalmente monitorano, orientano e incoraggiano – con puntualità e sagacia – una nuova generazione di artisti, ha originato il percorso di Millennials. Dopo soli quattro anni, proprio nell’anno i cui AAB diventa ottuagenaria, Millennials diviene qualcosa di più: un format, un percorso, un progetto strutturato e organico. La collaborazione di AAB con MO.CA – affidato, a sua volta, alla supervisione artistica di Ilaria Bignotti – genera infatti quest’anno un doppio appuntamento: tre millennials “debuttanti” portano le loro opere, ovvero la freschezza dei loro linguaggi, nella nostra galleria, mentre a MO.CA – Centro per le nuove culture in via Moretto tornano alcuni degli artisti che nei primi anni erano saliti alla ribalta dei Millennials in Vicolo delle Stelle.
Il tutto in un progetto unitario, utilmente dislocato su due sedi.

In tempi accelerati e convulsi è interessante vedere il percorso compiuto in questi anni e verificare i nuovi approdi di Alice Faloretti, Manuel Gardina, Silvia Inselvini, Fabio Lombardi, Francesca Longhini, Serena Nicolì e Giovanni Rossi. Nomi diventati familiari al pubblico di AAB e di cui è interessante seguire i nuovi passi artistici.
In AAB invece, quest’anno scopriremo le inquietudini e le cifre espressive di Giada Crispiels, Giovanni Gandolfi e Fabio Ingrosso.

AAB non opera come galleria privata, non agisce sul mercato, non promuove commercialmente questo o quella artista. Però “investe” su questi giovani offrendo loro una ribalta di valore storico, un catalogo che documenta a che punto è il loro percorso espressivo, un pubblico avvertito e sapiente pronto a cogliere vocazioni autentiche e linguaggi innovativi.

Il fatto poi che le curatrici abbiano scelto quest’anno un titolo evocativo e potente – “Amore mio” – in linea con le citazioni colte del passato, conferma una delle ambizioni più radicali del ciclo Millennials: offrire uno specchio in cui artisti che oggi hanno fra i trenta e i quarantacinque anni mettono a nudo sogni e ambizioni, origini e progetti, e non lo fanno da soli ma in dialogo con coetanei egualmente generativi e impegnati. Millennials non ha un traguardo prefissato ma, con questa nuova tappa, si conferma un progetto ambizioso e previdente, che ha davanti a sé un orizzonte senza steccati.

L’esposizione riunisce cinque artiste del territorio bresciano, di rilievo nazionale e internazionale, il cui lavoro esplora il costante dialogo con la natura come entità profetica e vivente: Marta Roberti, Anna Roberti, Sabrina Baruzzi, Caterina Perinetti e Francesca Damiano. Natura Vaticinans esplora il supercorpo, entità attiva dal potere profetico, attraverso una riflessione che indaga il legame simbiotico tra l’umano e il mondo naturale, superando la dicotomia tradizionale tra umanità e animalità. In questa visione, il corpo umano emerge come sistema animale integrato, un microcosmo in dialogo costante con l’ambiente che lo circonda, attraverso cui si manifesta una connessione ancestrale e predittiva. La natura, in questa prospettiva, si rivela come oracolo: uno spazio di connessione e memoria, in cui l’essere umano si riscopre animale e l’habitat si trasforma in una protesi vivente. Le opere in mostra danno voce a questo dialogo sottile e misterioso, aprendo varchi verso dimensioni invisibili e risvegliando un senso di appartenenza profonda alla vita nella sua interezza, e restituendo all’umanità la consapevolezza di essere parte di un ecosistema più vasto e interdipendente.

Installazioni interattive, erbari ad arazzo, disegni, stampe alchemiche, assemblaggi e fotografie esplorano il rapporto tra corpo (vegetale, animale e umano), natura e identità, diventando strumenti di indagine esistenziale che invitano a riflettere sulla nostra appartenenza ad un ecosistema che va oltre il visibile.
Natura Vaticinans non è solo una mostra, ma una mostra di sole artiste. Questa presenza esclusiva invita ad una riflessione critica sul ruolo della donna nell’arte, sul valore dell’inclusione e sulla necessità di superare gli squilibri di genere nel sistema artistico contemporaneo.

La mostra intende presentare al pubblico una selezione, operata dalla Commissione giudicatrice, di progetti ideati da ventisette artisti che hanno partecipato alla call artistica LIFE ART al Teatro Borsoni, indetta da CTB – Centro Teatrale Bresciano, in collaborazione con COMUNE DI BRESCIA e A2A S.p.A. e a cura di Valentina Ciarallo, per la progettazione, la realizzazione e l’installazione di un’opera d’arte permanente per gli spazi esterni del Teatro Borsoni a Brescia.
La consistente partecipazione a questo bando da parte di artisti e studi di artisti noti a livello nazionale e internazionale, di cui la mostra offre una panoramica tesa a raccontare le diverse declinazioni progettuali emerse, testimonia e rafforza il momento storico di grande fermento e cambiamento di prospettiva per la città di Brescia, Città Europea in grado di attirare talenti e competenze, dove il dialogo tra le culture e lo spirito pionieristico diventano due capisaldi che muovono le politiche dell’amministrazione.
La call artistica non poneva limiti e vincoli nei linguaggi e nelle forme da utilizzare per l’ideazione dell’opera d’arte, destinata a dialogare con il contesto culturale e urbano e, innanzitutto, con il nuovo Teatro della città.
Si invitava a realizzare un’opera d’arte inedita e capace di rafforzare il senso del nuovo Teatro e amplificare la sua capacità di interconnessione e rigenerazione, contribuendo al progetto di profonda riqualifica del quartiere di via Milano e di integrazione culturale, già in atto da qualche anno.
Come si evince passeggiando tra i progetti artistici esposti, selezionati per la loro visionarietà, per la loro capacità di dialogare in modo originale con il Teatro e con il quartiere, per la ricerca storica, culturale e sociale condotta, per la sperimentazione di tecniche e materiali, ognuno di essi sa porre in luce aspetti importanti della relazione tra il Teatro, il quartiere, le persone che vivono e abitano il contesto, facendo risaltare d’altra parte la peculiarità del linguaggio creativo e l’originalità di ciascun artista.
La mostra pone in luce anche alcuni aspetti centrali del dibattito culturale contemporaneo: il senso e il ruolo di un’opera d’arte pubblica e monumentale, la relazione tra opera d’arte e contesto urbano e il rapporto tra opera e fruitore.
Ciascun progetto esposto dichiara così la capacità e la volontà dell’arte di porsi in relazione con la vita nel suo fluire nello scenario urbano, dialogando con un Teatro inteso non solo come luogo dove vengono messi in scena spettacoli ed eventi ai quali partecipare, ma vero e proprio motore che attiva e pone in circolazione persone e linguaggi, culture e immagini, contaminando l’arte con la vita quotidiana, e viceversa.

MO.CA – Centro per le nuove culture inaugura la stagione espositiva primaverile con una mostra sperimentale dedicata a perfettipietro artista di base a Parma e co-founder del run space DISPLAY, sito nella medesima città dove perfettipietro ha studio.
La mostra, dal titolo “L’insostenibile leggerezza dell’essere Me”, trasforma gli ambienti al piano terra del MO.CA in un percorso che esplora il rapporto tra memoria, identità e desiderio, mescolando elementi del passato individuale e collettivo; i ricordi e gli oggetti d’affezione dell’artista vengono chiamati ad essere indicatori di un passato infantile che a tutti appartiene. Attraverso una selezione di opere che oscillano tra il ready-made, il surreale e l’arte concettuale, perfettipietro costruisce stanze multisensoriali abitate da riferimenti iconici che si rifanno alla cultura visiva dello scorso millennio, giocando tra riconoscibilità e straniamento. L’allestimento riproduce infatti un’ideale “stanza dei giochi”, popolata da oggetti iconici dell’infanzia che, modificati o reinterpretati, diventano elementi di un linguaggio ironico e nostalgico, provocatoriamente “neoclassico”.
Gigantesche caramelle Rossana, un orso di peluche sazio dopo una scorpacciata di miele, sculture che inglobano caramelle Haribo e una miniatura in oro 18 K di un cappellino Lego caro all’artista sono solo alcuni degli elementi che compongono questo paesaggio ludico e surreale. Disseminati nello spazio, dei mini jukebox attivati dai visitatori trasmettono brani musicali, successi della musica leggera italiana e internazionale, componendo una colonna sonora che oscilla tra il ricordo e l’ossessione, sovrapposizioni e silenzio.
Un diffusore di odori pervade la stanza con il profumo dolce e familiare dei biscotti appena sfornati, stimolando un’immediata risposta emotiva: la mostra si sviluppa su diversi livelli percettivi, attivando non solo la vista, ma anche l’olfatto e l’udito.
Anche la disposizione delle opere nelle sale segue un principio di accumulo e stratificazione, evocando il processo creativo dell’artista, basato su un’ossessiva selezione e rielaborazione di simboli e riferimenti.
Il risultato è un microcosmo a metà tra il familiare e il perturbante, tra l’ironia e la malinconia: un universo che invita lo spettatore adulto a riconoscersi in un’infanzia comune e quello bambino a interrogarsi sulla natura di oggetti e forme rinnovate.
L’insostenibile leggerezza dell’essere Me è così un viaggio attraverso il passato e il presente, un gioco di specchi tra il riconoscibile e l’inatteso, che invita a perdersi nei meccanismi della memoria e dell’immaginazione.
Il progetto rievoca un’iconografia condivisa attraverso oggetti simbolici, rendendoli protagonisti di una nuova narrazione visiva e concettuale, e stimola un dialogo intergenerazionale, dove l’infanzia e l’età adulta si incontrano e si confondono.

MO.CA ospiterà la mostra del noto grafico bielorusso Arthur Vakarov. L’evento rappresenta un’importante occasione per riflettere, attraverso il linguaggio visivo della grafica, sulle tre decadi di governo autoritario in Bielorussia e sulle sue implicazioni politiche, sociali e culturali.

Durante l’inaugurazione interverranno autorevoli rappresentanti delle istituzioni e del mondo culturale, che offriranno il loro contributo per contestualizzare e valorizzare il significato della mostra. Porteranno i loro saluti:

• Federico Manzoni, ViceSindaco del Comune di Brescia;
• Giovanni Rocchi, Presidente dell’Ordine degli Avvocati di Brescia;
• Filippo Perrini, Presidente della CCDC Cooperativa Cattolico-democratica di Cultura
• Francesca Bazoli, Presidente della Fondazione Brescia Musei;
• Giulia De Florio, Presidente di Memorial Italia;
• Yulica Yukhno, rappresentante dell’Ambasciata libera della Belarus.

A seguire, interverrà Arthur Vakarov, autore dei manifesti esposti, che illustrerà il suo percorso artistico e il valore della grafica come strumento di denuncia e memoria storica.

L’evento si configura come un’importante testimonianza della lotta per la libertà di espressione e dei diritti umani, attraverso l’arte e la comunicazione visiva. Tutti sono invitati a partecipare per approfondire e confrontarsi su un tema di grande rilevanza internazionale.